한국인은 비빔의 민족이다.

우리는 다양한 것들을 섞어 조화로움을 만드는데 특화되어 있다.

(비빔대왕님도 계시고…)

당신의 몸에도 믹스를 잘하는 유전자가 내재되어 있다

우리는 가끔 다양한 색의 나물과 고기, 계란 노른자, 그리고 초고추장을 한데 넣고 잘 믹스하여 아주 맛있는 비빔밥을 만들어 먹는다.

(맛깔나는 참기름도 한방울 추가. 배고프다.)

비빔밥을 만들때 고추장이 많이 들어가면 맵고 짠 비빔밥이 된다.

참기름이 너무 많이 들어가면 참기름의 강한 향이 다른 재료들의 향을 뒤덮어 버린다.

어떤 재료를 어떻게 다듬고 어떻게 섞느냐가 전체적인 비빔의 퀄리티를 결정한다.

음악 믹스도 다를게 없다.

다양한 소리를 하나로 섞어 조화롭게 만드는 과정이다.

여기서 가장 중요한건 각 재료들의 밸런스다.

물론 좋은 재료는 기본이다.

적당한 수준의 보컬, 적당한 수준의 드럼, 적당한 수준의 잔향, 이 애매할 수도 있는 적당함이 믹스의 포인트다.

하지만 우리는 며느리도 모르는 종가집 맛의 비밀도 아니고 이 애매한 적당함이란게 참 어렵기 들린다.

하지만 모든 음식의 레시피가 다르듯 믹스의 레시피도 각각 요리사마다, 요리마다 천차만별이다.

모든 요리에 어울리는 마법의 레시피는 없다.

그래서 우리는 기준을 만들 필요가 있다.

누군가는 음악의 킥 소리를 기준으로 전체적인 레벨을 맞춘다. 또 누군가는 보컬 소리를 기준으로 전체적인 레벨을 맞춘다.

어떤것을 기준으로 잡냐보다 내가 믹스를 하는데 있어서 기준점이 있다는게 중요하다.

그때 그때 올리고 내리고가 아니라 명확한 기준을 세우고 움직이는게 길을 잃고 헤메는 시간을 줄여준다.

믹스는 결국 볼륨 밸런스를 맞추는 일이다.

(물론 그 이후에 심오한 영역은 진짜 초보 강의에서 잠시 미뤄두자. 이걸 또 한 부부만 발췌해서 믹스는 볼륨 밸런스만 맞추는 작업이다 라고 오해하진 말자. 다른것도 많이한다.)

각각 트랙의 볼륨을 맞춰주고, EQ를 이용해 주파수축에서, 컴프레서를 이용해 시간축의 볼륨의 밸런스를 맞춰준다.

필요하다면 오토메이션을 이용해 더 미세한 조정을 할수도 있다.

그리고 그 이후에 다양한 방법으로 의도에 따라 믹스를 마무리 해 나가면 된다.

(컴프레서를이용한트랜지언트의세심한컨트롤이라던지, 세츄레이터를이용한배음의추가라던지… 후추가루나, 파슬리가루라던지)

힌트가 필요하다면 비슷한 장르의 곡을 분석해 비슷한 느낌을 따라해 보는게 많은 도움이 된다.

차근차근 연습하다 보면 나만의 훌륭한 비빔을 만들어 낼 수 있을 것이다.

“사장님~ 여기 에코좀 더 넣어주세요!”

노래방에 가면 한번쯤 해 본 말이다.

내 음악을 촉촉 하게 적셔주는 소리의 울림, 공간계의 마법이다.

가장 많이 사용하는 공간계 이펙터는 리버브(Reverb)와 딜레이(Delay)다.

각각 이펙터들의 특징을 알아보고 우리의 노래를 좀 더 촉촉하게 만들어 보자.

Delay

말 그대로 소리의 지연이다. 원본의 소리가 일정 시간을 두고 다시 들리는 이펙터이다.

산에서 야호! 를 외치면 잠시 후 야호! 야호! 야호! 하고 울려퍼지는 메아리를 생각하면 쉽다.

Delay time

딜레이가 반복되는 시간을 설정한다. 일반적으로 곡의 템포에 맞게 설정을 한다. 곡의 템포와 동기화 기능이 있는 딜레이의 경우 원하는 값을 찾아 설정하기 쉽다.

Feedback

딜레이 신호에 대한 피드백 정도를 설정한다. 얼마나 반복될 것인지를 설정한다고 생각하면 쉽다.

Ping pong

딜레이를 좌우로 반복시키는 파라미터 이다. 스테레오 이미지가 넓어진다.

! 파라미터는 각 이펙터들별로 다를 수 있다.

Reverb

소리의 잔향을 뜻한다. 공간에서 무수하게 발생하는 반사음들의 집합체, 텅 빈 강당이나 목욕탕에서 노래를 하면 들리는 기분좋은 울림이 바로 리버브다.

공간계 이펙터의 사용은 공간을 디자인하는 과정이다. 우리는 이 울림을 통해 때로는 터널 속, 때로는 거대한 콘서트 홀을 연상시킬 수 있다.

다음에서 설명하는 파라미터들은 공간을 디자인하는데 필요한 값이다.

Predelay

원본의 소리와 1차 반사음이 나는 시간을 설정한다. 공간의 크기를 지정하는데 큰 역할을 한다.

1차반사음과의 거리가 짧으면 리버브 사운드가 기존 소스를 해치기 때문에 소스가 뚜렷하게 들리지 않을 수 있다.

반대로 프리딜레이가 지나치게 길어지면 부자연스러운 소리로 인식될 수 있다.

width

공간의 넓이를 정한다

Height

공간의 높이를 정한다.

Length

리버브의 총 길이를 정한다

Attack

리버브가 피크 레벨까지 상승하는데 걸리는 시간을 정한다.

! 파라미터는 각 이펙터들별로 다를 수 있다.

공간계는 Send로 걸어야 한다?!

공간계를 공부하다보면 Send로 공간계를 걸어야 한다는 말을 많이 보곤 한다. 하지만 이펙터 하나 공부하기도 바쁜 초보의 관점에서 Send의 개념은 이해하기가 쉽지 않다. Send에 대해서 간단하게 알아보자.

과거엔 디지털 이펙터가아닌 아날로그 아웃보드들로 믹싱을 했다. (그 이전엔 실제 울리는 공간이나 물질을 활용하여 공간계 효과를 적용했다.) 10개의 트랙에 리버브를 건다고 가정해보자. 각 트랙별로 리버브를 걸려면 10개의 아웃보드가 필요해 진다. 이는 굉장히 많은 예산을 필요로 하게된다. 이럴때 한 트랙으로 소래를 보낸 뒤 한번에 이펙트를 적용하면 하나의 리버브로 여러 트랙을 처리할 수 있다. 이는 예산의 효율적 분배를 가능하게 하며 한정된 자원으로 최대한의 효과를 볼 수 있다. 거기에 여러가지 소리가 하나의 공간으로 묶이는 효과는 덤이다.

이는 컴퓨터와 DAW에서 플러그인으로 처리할때도 비슷하게 작용했다. 컴퓨터의 퍼포먼스가 뛰어나지 못해 여러개의 이펙트를 걸면 컴퓨터에 부하기 발생했다. 그럴때 하나의 플러그인으로 여러 트랙을 적용하는 방식으로 컴퓨터의 자원을 아낄 수 있었다.

하지만 컴퓨터의 성능이 많이 좋아진 지금도 여전히 send로 보내서 프로세싱 하는 방법은 많이 사용되고 있다. 왜 일까?

A라는 트랙의 소리를 -> A’라는 새로운 트랙으로 보낸다(send). 이 과정에서 소리를 얼마나 보낼지를 정할 수 있다. 그리고 새로운 A’ 트랙은 A와 별개로 이펙터들을 걸고 프로세싱을 마친 후 볼륨 조절을 할 수 있다.

따라서 기존 직렬로 이루어져 있던 프로세싱을 병렬 처리를 함으로서 공간계 이펙터에 추가로 EQ나 컴프레서 등 다양한 이펙터를 추가가 가능하다. 이는 소스를 정리하고 다듬는데 큰 도움을 주고 공간계 이펙터가 원본을 마스킹하는 현상을 줄여준다.

요즘 나오는 공간계 이펙터들은 이펙터 자체에 EQ, 컴프 등을 내장하고 있는 경우가 많다. 또한 dry. Wet 설정을 통해 리버의 양도 효과적으로 조절이 가능하다. 따라서 공간계는 꼭 send로 걸어야 한다는 이야기는 옛 이야기가 되었다. 요즘엔 각각 다른 공간에 악기를 배치함으로서 악기간의 분리를 더 만드는 믹스 테크닉도 많이 사용된다.

결론은 간단하다. Send가 필요하면 Send로 아니면 그냥걸자.

녹음을 하고 난 후 더 좋은 소리를 얻기위해서 믹스 작업을 진행한다.

많은 초보분들이 이 작업에 대해 막연한 동경 또는 불안감을 가지고 있다. 

따라서 오늘은 믹싱의 개념을 익히고 기초 이펙터들의 사용법들을 익혀보도록 하자.

먼저 믹싱이 무엇인지 생각해 볼 필요가 있다. 이름 그대로 소리를 섞는 행위 그것이 믹싱이다.

하지만 단순히 소리를 섞는것을 넘어서 더좋은 소리를 만드는것이 좋은 믹스다.

요리를 만드는데 중요한 것은 좋은 재료가 필수이지만 재료를 어떤 비율로 섞는지가 최종적인 요리의 맛을 결정한다.

믹스도 마찬가지다. 가각 소리들의 볼륨을 어떻게 만지냐가 믹스의 가장 큰 포인트다.

각각 소리들의 밸런스가 잘 갖춰졌을때 비로소 좋은 믹스가 완성된다.

다만 소리는 시간축을 가지고 흘러가고 있기에 주파수 대역별 볼륨 밸런스와, 시간축에서의 볼륨 밸런스를 함께 고려해야 한다.

커피믹스를 맛있게 타려면, 설탕, 크림 커피의 비율이 중요하다. 간단한 스틱 커피조차 설탕을 조절할 수 있는데 우리의 믹스는 더 디테일한 조정을 해야하지 않을까?

1.EQ(equalizer)

소리의 볼륨을 주파수 대역별로 조절하는 이펙터. 

서로 겹치는 대역의 소리를 정리하여 소리를 명료하게 만든다.

일반적인 그래픽 이큐들의 모습을 보면 특이한 부분이 있다.

0~1K 까지는 그 각 칸의 간격이 비교적 좁지만 1K 이후부터는 한 칸의 간격이 1K, 뒤로갈수록 10K 단위가 될정도로 간격이 넓어진다.

이는 고역으로 갈수록 명확한 주파수 대역을 캐치해 내기가 어렵기 때문인데 반대로 1k 아래는 작은 변화에도 변화를 느끼기 쉽다.

초보 단계에선 저역과 중역, 그리고 고역 을 3단계로 나누어서 크게크게 컨트롤해보자. 소리의 변화가 익숙해 졌다면 그 이후 좀 더 디테일한 조작을 방향으로 발전시켜 나가자.

각 대역별 주파수의 변화에 대해 느낄땐 위 그림과 힌트도 도움이 된다.

2.컴프레서(Compressor)

현대 믹싱의 꽃은 컴프레서다. 

EQ가 주파수를 기준으로 볼륨을 조절했다면 컴프레서는 시간축을 기준으로 볼륨을 조절한다. 아이러니 하게도 컴프레서라는 이름은 초보자들에게 많은 혼란을 가져다 준다. 걸기만 해도 압축이되고 밀도감 있는 소리가 나올것만 같은 마법의 이름이다. 하지만 현실은 그렇지 않다. 기본적으로 컴프레서는 소리의 크고작음 즉 다이나믹레인지를 조절하는 도구다.

-컴프레서는 사용자가 설정한 값 보다 큰 소리가 들어왔을때 자동으로 소리를 정해진 비율로 줄여준다.

여기 녹음된 소스가 있다. 도입부와 후렴부의 격차가 큰 녹음파일이다. 그러다보니 도입부는 배경음악에 묻혀서 잘 들리지 않고 후렴구에선 순간순간 큰 목소리가 튀어나온다.

이럴때 컴프레서를 사용해 후렴부의 소리를 줄여주면 위와같은 파형이 된다. 도입부와 후렴부의 편차가 줄어들었다.

이제 전체 소리를 키워보자. 도입부의 소리도 충분히 잘 들릴만큼 커졌고 후렴구의 소리도 여전히 큰 소리를 유지하고 있다. 

이렇게 컴프레서를 사용하면 소리의 편차를 효과적으로 조절할 수 있다.

-컴프레서 육하원칙

Input Gain : Compressor 입력의 레벨을 설정.

Threshold : 스레숄드 레벨을 설정합니다. 이 스레숄드 값 위의 신호는 레벨 단위로 감소.

Ratio : 압축 비율(스레숄드를 초과했을 때 신호가 감소하는 비율)을 설정.

Make Up : 압축된 신호에 적용될 게인의 양을 설정.

Knee : 스레숄드에 가까운 레벨에서 감소의 강도를 설정. 값이 낮으면 더  즉각적인 감소(하드 니(Knee))가 발생. 값이 높으면 더 부드러운 감소(소프트 니(Knee))가 발생.

Attack : 신호가 스레숄드를 초과할 때 Compressor가 반응하는 데 걸리는 시간을 설정.

Release : 신호 레벨이 스레숄드 아래로 떨어진 후 Compressor가 신호 감소를 정지하는 데 걸리는 시간을 설정. 이 컨트롤은 Auto 버튼이 켜지면 Auto 버튼과 함께 작동.

Output Gain : Compressor 출력의 전체 레벨을 설정.

컴프레서는 단순 볼륨 컨트롤러 인가?!

컴프레서는 원론적으로 봤을때 볼륨을 컨트롤하는 기기가 맞다. 다만 그 볼륨을 조절하는 과정 속에서 다양한 톤의 변화를 만들어 낼 수 있다. 또한 아날로그 컴프레서, 또는 아날로그 복각 컴프레서들은 그 컴프레싱 과정에서 THD가 개입되거나 특유의 EQ 커브가 적용되곤 한다. 그리고 각각 컴프레서별로 서로 다른 엔벨롭 커브를 가지고 있다. 이 과정을 거치며 소리의 질감이 변하고 이를 믹스에서 다양하게 활용할 수 있다.

첫번째 이미지는 초기 반응은 느리고 후반부에 급격히 반응을 하고, 반대로 두번째 는 초반에 빠르고 후반에 느리게 반응을 한다. 마지막 세번째는 그 중간의 반응을 보이고 있다.

같은 Attack time을 가지고 같은 비율로 소리를 줄였지만 그 반응은 완전히 다르다. Release 에서도 같은 현상이 발생한다.

서두에말했듯 컴프레서를 압축의 개념으로 이해한다면 컴프레서를 이해하는데 혼란을 가져올 수 있다. 특히 컴프레서의 개념이 잡혀있지 않은 초보는 컴프레서를 걸기만 하면 소리의 밀도가 증가한다는 착각을 할 가능성이 다분하다. 하지만 경우에 따라 컴프레서를 거쳤을때 오히려 소리가 가벼워지는 상황도 겪을 수 있다. 각각 컴프레서의 특성을 이해하고 효과적으로 사용하여 더 좋은 믹스를 해보자.

기본적인 장비를 준비하고 본격적인 작업에 앞서 한가지 더 준비해야 할 것이 있다.

컴퓨터로 작업을 하기 위해선 작업용 프로그램이 필수로 필요하다.

간단한 녹음은 운영체제에 포함된 녹음기부터 시작이 가능하고 OBS와 같은 방송용 소프트웨어로도 녹음은 물론 녹화까지 한번에 가능하다.

하지만 전문적인 음악 작업을 위해선 DAW(Digital Audio Workstation)을 사용해야 한다.

다양한 DAW중 어떤 제품을 사용해야 할까? 

현 시점에서 어떤 DAW가 더 우수하다 라는건 큰 의미가 없다.

어떤 제품을 사용하더라도 기본적인 작업부터 전문적인 작업을 하는데까지 전혀 무리가 없다.

다만 차이가 있다면 각 제품별 UI의 지향점 및 어떤 장르의 음악에 특화 되어있냐 정도의 차이가 있다.

각각 DAW의 특징을 이해하고 본인에게 맞는 DAW를 선택해보자.

Avid ProTools

현재 상업 레코딩, 믹싱, 마스터링 스튜디오의 메인 DAW이다. 녹음, 편집에 특화된 DAW로서 초창기 컴퓨터의 자원을 사용하지 않는 ProTools HD 시스템의 강력한 DSP를 앞세워 상업 스튜디오의 표준으로 자리잡았다. 다만 작곡에 관련된 부분은 다른 DAW에 비해 조금 부족한 편이다.

Steinberg Cubase

세계적으로 사용자가 많은 DAW. 특히나 국내에 유독 사용자가 더 많다. Cubase5 크랙버전이 사용자 층 확대에 큰 영향을 미쳤으며 현재도 아마추어, 취미 사용자들 사이에선 여전히 Cubase 5 크랙버전을 많이 사용하고 있다. (아직 5 크랙을 사용하는 유저가 있다면  더 좋은 퍼포먼스를 자랑하는 무료DAW들이 많이 있으니 갈아타자)

국내 시장에서 압도적인 점유율을 자랑하는 DAW인 만큼 주변에서 쉽게 유저를 찾을 수 있고 도움을 청할 수 있다. 때문에 한국어로 된 팁이나 노하우를 얻기가 무척 쉽다.

Logic Pro

Apple Mac 시리즈 사용자들에겐 아주 강력한 DAW다. 저렴한 가격으로 무제한 업데이트를 받을 수 있으며 뛰어난 악기 라이브러리를  가지고 있어서 초보자가 접근하기 좋다.

반대로 MAC이 필수이기 때문에 저렴한 가격대신 MAC 컴퓨터가 필요한 단점이 있다.

Apple Loops라는 강력한 라이브러리가 큰 무기였으나 최근 스플라이스등의 샘플 사이트들의 등장으로 그 위상이 조금은 줄어들었지만 여전히 강력한 라이브러리를 가지고있다.

Logic 유저들의 아킬레스건은 플러그인 검색이 안된다는 점이다.(유저들을 만나면 님 검색 됨?! 이라고 물어보자.)

Ableton LIVE

일렉트로닉 및 루프 기반의 음악에 장점이 많은 DAW이다. LIVE란 이름에서 알 수 있듯 라이브 퍼포먼스에도 최적화 되어있다.

한 화면에 많은 정보를 표현하여 자칫 혼란스러워 보일 수 있지만 노트북 등 한개의 모니터로 작업할때 이점또한 함께 가지고 있다.

독창적인 워크플로우를 가지고 있으며 이로인해 팬덤이 두텁게 자리잡고 있다.

FL STUDIO

Fluity Loops라는 플러그인에서 발전된 DAW. 이름에 어울리게 loop 기반의 작곡 방식에 특화되어있다.

힙합, 일렉트로닉 장르 프로듀서들에게 인기가 많으며, 특유의 유쾌한 UI를 가지고 있다.

LIVE와 마찬가지로 독창적인 워크 플로우를 가지고 있어 고전적인 워크플로우를 가진 DAW를 사용하는 유저들이 적응하기가 상대적으로 어렵다.

StudioOne

필자가 가장 추천하는 DAW.(필자는 편파적이다. 거 좀 먹고 삽시다.)

현재 글을 읽고 있는 스원포코의 모태가 된 DAW. Cubase, logic과 유사한 고전적 워크플로우를 가지고 있는 DAW다.

따라서 타 DAW에서 StudioOne으로 갈아타기가 쉽다(반대의 경우도 마찬가지다). 상대적으로 후발주자이기에 타 DAW의 장점을 흡수한 모습을 많이 보여준다.

직관적인 드래그앤 드랍 워크플로우가 특징으로 타 DAW에 비해 미묘하게 작업 단계를 줄여준다.(5번 할것을 4번하는 정도)

단점은 국내 환경에서 유저층이 상대적으로 적어서 그거 쓰는 사람 있음? 이라는 무시를 받는다.

최근 공격적인 행보로 유저층이 메이저 DAW 만큼 늘었지만 인식의 변화가 아직은 따라오고 있지 않다. 해외에선 국내보다 월등히 많은 유저풀을 가지고있다.

국내에 유일하게 제조사가 공인한 공식 포럼이 있는 DAW이다. 따라서 가장 확실한 사후지원을 받을 수 있으며 국내 정식 수입품을 구매한 경우

전화 응대, 원격지원등의 서비를 받을 수 있어 초보자들이 입문하기 좋은 DAW이다.

불과 20년 전만 하더라도 제대로 된 녹음은 전문 녹음실에서나 할 수 있는 일이었지만

지금은 비싼 장비 없이 집에서 간단히 수준급의 음원을 만들 수 있는 세상이 되었다.

하지만 여전히 어떻게 홈 스튜디오를 꾸며야 할지 그 첫 단추를 채우지 못해 망설이고 있는 사람들이 있다.

이번 시간엔 홈 스튜디오를 꾸미는데 필요한 첫 걸음으로 홈스튜디오 필수 장비를 하나씩 알아보자.

1.컴퓨터

초보들에겐 고사양의 컴퓨터가 필요가 없다. 비약적인 컴퓨팅 성능의 향상으로 인해 출시된지 5~10년이 지난 컴퓨터로도

초보들의 음악 작업엔 아무런 문제가 되지 않는다.

다만 기본적인 프로그램을 설치할 수 있는 디스크상의 여유공간은 필요하다.

2.오디오 인터페이스

오디오 인터페이스야말로 홈레코딩을 가능하게 만들어준 일등 공신이다.

과거의 오디오인터페이스는 순수하게 컴퓨터와 통신만을 담당하는 장비였으나

지금에 이르러서는 다양한 장치들의 집합체라고 봐도 무방하다.

이 글에서는 보편적으로 사용되는 일반적인 오디오인터페이스를 다룬다.

대부분의 오디오인터페이스는 ADC DAC, 그리고 마이크 프리앰프를 함께 탑재하고 있다. 

1)ADC(Analog to Digital Converter)

우리가 듣는 소리, 우리가 내는소리는 모두 아날로그 신호이다. 하지만 컴퓨터는 디지털 신호로 모든 데이터를 처리한다.

우리가 입력하는 아날로그 신호를 디지털 신호로 바꾸어주는것이 ADC(Analog to Digital Converter)이다.

2)DAC(Digital to Analog Converter)

ADC의 반대. 컴퓨터가 처리한 디지털 신호를 우리가 이해할 수 있는 아날로그 신호로 바꿔주는 장치이다.

3)마이크프리앰프

마이크는 소리를 전기적 신호를 변환해 오디오인터페이스로 보내주게 된다. 그러나 이 신호의 크기는 매우 작다. 미약한 전기 신호를 처리하기 좋은 수준으로 증폭시켜주는게 마이크 프리앰프다.

3.마이크

소리를 전기적 신호로 바꿔주는 장치이다. 홈레코딩에선 주로 목소리, 악기소리등을 수음한다. 노래 녹음을 한다면 필수적인 장치이다.

1)다이나믹마이크

수음 감도가 낮고 내구성이 좋은 마이크이다.

주로 라이브환경이나 강의, 스피치 등에 사용된다. 낮은 감도는 소음이 많은 홈 레코딩 환경에 도움이 된다. 

2)콘덴서 마이크

높은 수음감도를 가지고 있는 마이크이다.

대부분의 녹음실에서 메인 마이크로 사용하고있고 구동을 위해선 48V 팬텀 파워 또는 별도의 파워서플라이가 필요하다.(아닌 경우도 있긴하다)

높은 수음감도가 장점이지만 반대로 현장의 공진음과 소음을 모두 받아내는 단점이 될 수도 있다.

4.스피커, 헤드폰

잘 듣는것은 매우 중요하다. 어떤 소리를 녹음하고, 어떤 악기를 다루더라도 결국 들리는 만큼 작업을 할 수 있다.

일반적으로 작업용 헤드폰, 스피커 등을 모니터링 헤드폰, 스피커라고 부른다.

보통의 감상용 헤드폰들은 설계자의 의도에 따라 특정 주파수를 키우거나 줄여 특유의 성향을 띄는 경우가 많다.

저음을 부스트 시킨 스피커로 밸런스 작업 후 중립적인 환경에서 청취를 했다고 가정하자. 내 음악의 저음은 최초 작업시 들었던 밸런스보다 적게 들릴것이다.

따라서 모니터링 스피커는 모든 대역을 고르고 평탄하게 표현하여 내 작업물이 여러 다른 환경에서도 비슷한 수준의 밸런스를 가질 수 있도록 함을 목표로 한다.

장시간 작업시엔 이어폰, 헤드폰 보다 스피커를 사용하는것이 귀 건강에 도움이 된다. 하지만 층간소음, 예산등의 문제로 스피커를 사용할 수 없는경우

헤드폰을 이용해 작업을 하며 충분한 휴식을 취할것을 권장한다.