저는 미리 세팅한 트랙 프리셋을 먼저 불러옵니다. 트랙 프리셋은 흰 색상의 -9dB 상태의 SampleOne (가장 로딩이 빠르고 가벼워서) 을 불러오도록 만들었습니다. 
그 뒤 다음 명령어, Add Instrument to Selected Tracks를 이용해 실제로 사용하고자 하는 VSTI를 로딩합니다.
다음 명령어로 Instrument Editor 를 열어 VSTI의 화면까지 자동으로 표시되게 합니다.

굳이 트랙 프리셋을 사용한 이유는 Instrument Track을 불러온 뒤에 볼륨 -9dB, 트랙 색상 변경의 자동화가 잘 안 되더라고요.
저처럼 특정 볼륨이나 세팅을 트랙의 기본값으로 사용하시지 않는 경우에는 첫 매크로를 Load Track Preset 대신 Add Instrument Track으로 바꿔주셔도 무방합니다.

Audio Track도 같은 방식으로 사용할 수 있습니다. (오디오 트랙 불러오기 -> 플러그인 삽입 -> 플러그인 화면에 표시) 드래그 앤 드롭으로 하시면 물론 자동으로 팝업되지만 저는 키보드로 끝내는 게 조금 더 편하더라고요.


2) Pack Folder + Expand Folder + Add Bus

말 그대롭니다. 폴더 만들고, 폴더 펼치고, 폴더 트랙을 Bus트랙으로 바꿔줍니다.
7 버전때부터 썼던 것 같은데 지금은 더 나은 방식이 생겼는지 모르겠습니다.


3) 모든 트랙의 ARM을 끄기 + 창 닫기

저는 선택한 트랙이 자동으로 Arm이 되는 옵션을 꺼두고 씁니다. 그래서 Arm이 복수 선택 되거나, 트랙이 많아져서 Arm이 어디있는 지 모를 때 씁니다. 
가장 밑의 Navigation Previous Track, Next Track은 트랙이 많은 상황에서도 하이라이트 된 트랙으로 화면의 포커스가 전환되도록 넣었습니다. 은근히 편할 때가 있어요. 



4) 오디오 클립 전후로 오토페이드. 

아주 가끔 오디오 클립의 앞 뒤에 페이드를 넣어 원치 않는 클릭을 방지하고 싶을 때가 있습니다. 기분의 문제 같아요. 복수의 클립의 경우에는 동작하지 않습니다.

몇 가지 더 있긴 하고, 아마 다른 분들도 자신만의 매크로가 있으실 것 같습니다.



5.  Reference Track Solo/Mute의 단축키 사용을 통한 편의성 도모 (외부 프로그램 필요)

큐베이스의 경우 Control Room이라는 독보적인 기능이 있고 굳이 복수의 모니터 시스템이 없는 상황에서도 많은 편의성을 제공해줍니다.

특히 레퍼런스 트랙간의 A/B 비교 수행이라던가 하는 부분을 단축키 하나로 제어할 수 있어 편합니다. Gregor 형님은 Reference 트랙의 A/B 비교를 수행할 때 다른 레퍼런스 용 아웃풋을 따로 잡아 그 아웃풋의 Solo/Mute를 이용하셨더라고요. (콘솔 열고 마우스로 뮤트 버튼 클릭) Control Room이랑 비슷한 느낌으로 사용하고 싶었는데 펜스프는 그걸 숏컷으로 제어하기 번거롭고, 가능하지만 효율이 떨어졌습니다.

Find Track, Channel 기능을 이용해 해당 문구가 삽입된 트랙을 하이라이트 -> Mute Toggle 에서 하나씩 살을 불려나가면 되긴 하지만 결과적으로는 안 쓰게 되더라고요. 

그래서 이런 식으로 단축키가 아니라 MIDI CC로 접근했을 때 괜찮은 편의성을 얻을 수 있었습니다. 각각의 아웃풋 Insert에 볼륨을 0dB로 설정할 수 있는 플러그인을 걸고 각 플러그인들의 Bypass에 MIDI CC를 '글로벌'로 할당하시면 됩니다. 그리고 Bome MIDI Translator 같은 외부 앱 등을 이용해 MIDI CC를 일반 키보드 입력으로 바꿔주면 됩니다. 결과적으로는 F1이나 내가 설정한 다른 단축키를 눌렀을 때 메인 아웃풋과 레퍼런스 트랙의 아웃풋의 0dB 상황을 교대로 만들어내는 것이 가능합니다.

DAW에서 단축키로 지원하지 않는 부분을 외부 툴을 이용해 우회해서 (MIDI CC 신호를 일반 키보드 입력으로 변환) 제어할 수 있습니다.


좋은 하루 되세요! 

GRAMMY Award-winning mix engineer and Berklee College of Music Professor, Enrique Gonzalez Müller and iZotope Education Director, Jonathan Wyner.

그래미 어워드 위너이며 버클리 음대 교수인 믹스 엔지니어

Enrique Gonzalez Müller가 컴프레서를 통해 트랙의 그루브와 다이나믹을 살리는 방법을 설명하는 구간들이 있습니다.

- 01:35
영어: “Should we compress before or after EQ?”
한국어: “EQ 전에 컴프레서를 걸어야 할까, 아니면 후에 걸어야 할까?”
- 05:07
영어: “Amplitude editing helps control dynamics before compression.”
한국어: “컴프레서에 들어가기 전에 다이나믹을 정리하는 데 앰플리튜드 편집이 도움이 된다.”
- 08:13
영어: “Compression is about envelope shaping.”
한국어: “컴프레서는 단순히 볼륨을 줄이는 게 아니라, 소리의 엔벨로프(어택·릴리즈)를 shaping 하는 과정이다.”
- 12:59
영어: “With drums, compression shapes the groove and feel.”
한국어: “드럼에 컴프레서를 걸면 그루브와 느낌을 형성할 수 있다.”
- 16:08
영어: “Parallel compression adds energy without losing dynamics.”
한국어: “패럴렐 컴프레션은 다이나믹을 잃지 않으면서 에너지를 더한다.”
- 16:49
영어: “Sidechain compression lets one element breathe with another.”
한국어: “사이드체인 컴프레션은 한 요소가 다른 요소와 함께 호흡하게 만든다.”
- 23:44
영어: “EQ before compression or sidechain depends on the groove you want.”
한국어: “EQ를 컴프레서 전에 둘지, 사이드체인 전에 둘지는 원하는 그루브에 따라 달라진다.”

11:52 Behringer XM8500 10cm 12:12 Schoeps CMC641 10cm 12:32 Earthworks M23R 30cm 12:52 RODE NT1 30cm 13:12 Shure SM7B 30cm 13:32 Sennheiser ME64 30cm 13:52 슈어 SM58 30cm 14:12 슈어 SM57 30cm 14:32 베링거 XM8500 30cm 14:52 쇼프스 CMC641 30cm 15:12 아웃트로

- 다이나믹 마이크가 본질적으로 소음을 더 잘 차단하는 것은 아님.
- 실제 차이는 마이크와 입 사이의 거리, 사용 환경에서 발생.
- 콘덴서 마이크는 민감도가 높아 멀리서도 소리를 잘 잡지만, 그만큼 주변 소음도 더 많이 들어옴.
- 다이나믹 마이크는 가까이 사용해야 하므로 결과적으로 소음이 덜 들어오는 것처럼 느껴짐.

추가.

AKG C414 공식 메뉴얼 기준 (https://www.akg.com/on/demandware.static/-/Sites-masterCatalog_Harman/default/dw4bf1cc65/pdfs/AKG_CutSheet_C414&C414XLII_072516.pdf)

Max. SPL for 0.5% THD: 200/400/800/1600 Pa = 140/146/152/158 dB SPL
(0/-6/-12/-18 dB pre-attenuation)

근접 녹음을 하기 충분한 Max input level입니다

또한 컨덴서마이크에 내장된 HPF 기능을 활용하면 근접효과 제어에도 훨씬 유리합니다.

액티브 회로를 사용하는 컨덴서마이크에 비해 훨씬 더 많은 증폭량이 필요한 다이나믹 마이크는 노이즈 플로어에 훨씬 더 크게 영향을 받은 녹음 결과를 수음하게 됩니다

룸어쿠스틱, 방음시공 전문 :) 

펜타박스의 방음 룸어쿠스틱 강좌입니다

천장과 벽체와 바닥이 연결되지 않도록 살짝 틈을 주고,

탄성이 유지되는 유연한 재질로 막아줍니다

(확실하게 막았지만 구조가 연결되지 않고, 플렉서블하게 저음에 대응하도록 해야 저음 방음이 됩니다)

​

- 플렉서블, 디커플링이 방음의 핵심

​

• 백커로드 (Backer Rod, 백업재)

• 어쿠스티컬 실란트 (Acoustical Sealant, 사운드 실란트)

​

최근 몇년 동안 가장 이슈는 AI 라고 할 수 있을 듯 합니다. 다양한 분야에서 활용 및 쓰이고 있고,

이제는 음악 분야에서도 이곳 저곳에 쓰이기 시작하고 있습니다. ٩(◕ᗜ◕)و

ai 엔진들로 음악 전체를 만든 것들은 저작권을 인정받을 수 없기 때문에 음악 산업에 쓰기 어렵지만

일부 소스를 만들거나 수정해주는 ai 엔진들은 이전보다 개선된 모습들을 보이고 있어서

해당 가상악기 및 엔진들 중 일부를 소개 겸해서 심플 가이드 만들어 올려봅니다. 

오늘 소개하는 가상악기는 fazertone 에서 만든 Neural Drumkit Lite 라는 드럼 소스 생성 엔진이자

드럼 가상악기입니나. 작업하는데 있어서 도움이 될만한 녀석인지라, 추천할 겸 가이드 강좌 올려봅니다. ⸜( ˙ ˘ ˙)⸝♡

                               -----------------------------------------------------------

이 강좌 글은 제 블로그에 올리기 위해 제작된 것이기 때문에 다른 싸이트나 블로그 또는

카페에 퍼가는 것은 하지 않으셨으면 합니다. ( 제가 직접 다른 싸이트나 블로그에 올리겠으니 예의 지켜 주세요 ^_^ )

강좌에 사용된 영상은 설명의 이해를 돕기 위해 Youtube 의 영상을 링크했으며

일부 사용된 사진은 인터넷의 오픈된 사진을 사용했습니다. ^^ 혹 문제가 된다면 삭제하도록 하겠습니다.

관련 홈페이지 ( 공식 홈페이지 ) : https://www.fazertone.com/plugin/neuraldrumkit

오늘도 기분 좋은 음악 한곡 듣고 시작할까요? ^_^

룸어쿠스틱, 방음시공 전문 :) 

펜타박스의 방음 룸어쿠스틱 강좌입니다

어쿠스틱 클라우드는 천장에 매다는 흡음 패널인데, 플로팅 되어있기 때문에 효과가 굉장히 뛰어납니다

미국 녹음실에선 거의 필수로 설치되어있는데, 그 이유는

모니터링 공간의 밸런스를 위해서는 수직 반사음까지 제어가 필수이기 때문입니다

1. 주파수 밸런스가 중요하기 때문에 내부 충진재는 암면 (미네랄울) 사용

(고음만 흡음되면 중음 대역이 더 부각되어 소리가 딱딱해질 수 있다

중저음까지 흡음할 수 있는 암면(미네랄울)을 사용해야한다)

2. 스피커부터 내 머리 뒤 정도까지 커버가 가장 이상적

3. 초기 반사음을 줄여서 위상 캔슬없는 깔끔한 모니터링

(RFZ - Reflection Free Zone 확보

- 스테레오 이미지와 해상도를 잡아주는 효과가 확실함)

sonible 의 smart:Reverb 2 ( 스마트:리버브 2 ) 플러그인은 오디오 소스 맞춤형 리버브를 만들어 주는 플러그인입니다.

리버브는 매번 음악 작업에 사용하는 이펙트이지만, 언제나 고민하게 만드는 녀석입니다. 

이번에 출시된 smart:Reverb 2 ( 스마트:리버브 2 ) 가 저와 비슷한 고민을 하는 분들에게

작업하는데 있어서 도움이 되는 녀석인지라, 추천할 겸 가이드 강좌 올려봅니다. ^_^

이번 강좌는 sonible 에서 만든 smart:Reverb 2 ( 스마트:리버브 2 ) 플러그인에 대한 가이드 강좌로

sonible - smart:Reverb 2 를 사용하는 분들에게 도움되었으면 좋겠습니다. ⸜( ˙ ˘ ˙)⸝♡

( 기본적인 리버브에 대한 가이드 강좌 내용도 포함하고 있습니다. )

                               -----------------------------------------------------------

이 강좌 글은 제 블로그에 올리기 위해 제작된 것이기 때문에 다른 싸이트나 블로그 또는

카페에 퍼가는 것은 하지 않으셨으면 합니다. ( 제가 직접 다른 싸이트나 블로그에 올리겠으니 예의 지켜 주세요 ^_^ )

[ sonible 의 아티스트 / 엔도서로 smart:Reverb 2 플러그인을 무료로 제공받았으며,

  가이드 강좌 관련해서는 추가로 제공 받은 사항은 없음을 명시합니다. ]

강좌에 사용된 영상은 설명의 이해를 돕기 위해 Youtube 의 영상을 링크했으며

일부 사용된 사진은 인터넷의 오픈된 사진을 사용했습니다. ^^ 혹 문제가 된다면 삭제하도록 하겠습니다.

관련 홈페이지 ( 공식 홈페이지 ) : https://www.sonible.com/smartreverb2

오늘도 기분 좋은 음악 한곡 듣고 시작할까요? ^_^

룸어쿠스틱, 방음시공 전문 :) 

펜타박스의 방음 룸어쿠스틱 강좌입니다

1. 패브릭, 폴리에스터 등은 중저음 흡음은 잘 안 되고, 중고음은 과하게 흡음됨 - 주파수 밸런스가 맞지 않음 ( - 모니터가 되지 않음)

슬랫 레조네이터 형태로 원목을 쪼개서 틈과 폭을 불규칙하게 붙인다

- 주파수가 광범위하게 골고루 분산 흡음 (브로드밴드 압소바 형태) 2. 어쿠스틱 패널 붙이는 위치는 앞, 좌, 우

- 앞쪽은 되도록 흡음, 뒤쪽은 자연스러운 분산, 확산 (LEDE - Live End Dead End)

- 초기반사음을 제어하여 직접음이 귀로 바로 올 수 있도록 RFZ (Reflection Free Zone) 확보

1. 보컬 트랙(녹음용) 세팅

2. 리버브용 트랙 추가

3. FX 버스와 리버브 플러그인 세팅

4. 모니터링 결과

전체 셋팅

태준

킥 소리는 이제 꽤 잡힌 것 같으니 다음은 스네어를 만질 차례네. 사실 드럼 믹스의 핵심은 결국 킥과 스네어거든. 특히 스네어는 곡의 성격을 가장 뚜렷하게 표현해 주는 악기 중 하나지.

수연

근데 스네어는 왜 항상 두 트랙씩 녹음하는 거예요? 위쪽하고 아래쪽에 따로 마이크를 대던데요.

태준

좋은 질문이야. 위쪽 마이크(스네어 탑)는 작은북의 통울림이나 어택을 주로 담고, 아래쪽 마이크(스네어 바텀)는 '스네피'라고 하는 아래쪽 철사가 바스락거리는 소리를 잡는 용도지. 사실 나는 예전엔 이걸 꼭 둘 다 써야 한다고 생각했거든? 근데 요즘은 바텀 마이크를 안 쓰는 경우가 더 많아졌어.

수연

왜요? 그럼 스네피 소리가 없어서 허전하지 않나요?

태준

처음엔 나도 그런 걱정을 했는데, 탑 마이크 하나로도 제대로 녹음하면 충분히 좋은 소리를 만들 수 있더라고. 다만 곡 스타일에 따라 좀 더 밝고 바삭거리는 느낌을 내고 싶다면 바텀 마이크를 섞어주면 좋아. 기억해. 탑을 메인으로 하되 바텀을 살짝 섞어주는 거지. 섞어보고 필요 없다면 바텀을 안 쓰는 거도 좋은 선택지 일 테고. 그게 요즘 내 스타일이야.

그리고 한 가지 중요한 포인트는, 스네어 바텀 마이크를 쓴다면 반드시 위상을 뒤집어줘야 한다는 점이야. 위아래로 마이크를 대기 때문에 신호가 정반대라서, 이걸 놓치면 두 스네어 소리가 역상이 되어 이상해지지. 예전엔 이걸 일일이 수동으로 했는데 요즘엔 자동으로 위상을 맞춰주는 플러그인들이 있어서 정말 편해졌어.

수연

네, 기억할게요. 그런데 선배, 킥은 블리드를 제거하기 위해 게이트를 강하게 걸었잖아요. 스네어도 비슷하게 하나요?

태준

블리드가 있는 이상 스네어도 킥처럼 게이트나 익스팬더로 주변 블리드를 조절해 줘야겠지, 난 드럼 믹스의 가장 중요한 요소 중 하나가 게이트라고 생각하는데, 강렬한 록 음악이면 게이트를 강하게 걸어서 댐핑감을 강조할 수도 있지만, 익스팬더로 블리드를 자연스러움을 살릴 수도 있어.

수연

익스팬더요?

태준
게이트가 소리를 아예 잘라낸다면 익스팬더는 볼륨 차이를 강조하면서 자연스럽게 흐름을 이어주는 느낌이지. 컴프레서의 반대 개념쯤으로 보면 돼. 꼭 다른 소리를 완전히 차단하지 않고 남겨두는 거지.

난 사실 예전엔 무조건 게이트를 강하게 걸어서 완벽히 분리하는 게 정석인 줄 알았거든? 근데 시간이 지날수록 익스팬더를 적절히 써서 자연스러운 블리드를 어느 정도 살려주는 것도 나쁘지 않더라고. 아니 요즘엔 사실 익스팬더조차 잘 쓰지 않는 달까? 좋은 공간에서 녹음을 잘 받으면 가능한 일이지. 물론 음악에 따라서 게이트의 강렬하고 과격한 느낌이 필요할 때도 많고, 그럴 때는 여전히 과감하게 게이트를 사용하지.

수연

장르나 곡 분위기에 따라 게이트를 걸지, 익스팬더를 쓸지 결정하면 되겠네요.

그럼 컴프레서는요? 스네어에도 킥처럼 질감을 주는 거죠?

태준

스네어에서 컴프는 질감이 핵심이지. 색채감을 확실히 줄 수 있는 컴프를 사용하면 좋아. 특히 1176은 내 18번 같은 컴프지. 디스트레서도 좋고. 이런 녀석들을 쓰면 스네어의 맛이 확 올라오거든.

수연

컴프는 어떤 식으로 설정하시나요?

태준

옛날에는 무조건 어택을 20~30ms 정도로 약간 느리게 잡고 어택을 강조했는데, 요즘엔 또 10ms 전후로 어택을 죽이고선 곡에서 스네어의 존재감을 부드럽게 만드는 게 좋기도 하더라고.

수연

역시 또 '정답이 없다'는 말씀이시군요? 그럼 릴리즈는요?

태준
릴리즈는 보통 짧게 설정하면서 스네어의 서스테인이 자연스럽게 들리도록 해주지. 그런데 이건 정말로 곡과 연주자의 스타일에 따라 천차만별이야.

수연

하나하나 직접 해보면서 들어봐야겠네요. 아직은 감이 잘... 아, 곡과 연주자 스타일에 따라 EQ도 천차만별이겠죠?

태준

당연하지. 스네어에서 밝은 2~4kHz 대역을 올려주면 어택과 까끌한 느낌이 올라오게 되지. 근데 내 생각엔 오히려 200~300Hz 정도의 '통소리'를 잘 살려주는 거도 중요하다고 봐. 뭐니 뭐니 해도 작은 '북'이니까 '북'의 정체성을 강조해 주는 거지. 물론 이 부분도 과하면 둔탁해질 수 있고, 튜닝이 잘 안 된 드럼 세트의 경우엔 역효과가 날 수 있으니 적당히 컨트롤해줘야 해. 참, 120Hz 아래의 룸의 울림 같은 건 좁은 큐로 정리해 주는 게 좋고.

수연

그러면 EQ랑 컴프 순서는 어떻게 하세요?

태준

나는 EQ로 소리의 성격을 잡아놓고 컴프로 트랜지언트를 다듬는 편이야. 그러니까 EQ를 먼저, 컴프를 나중에 걸어주는 거지. 근데 예전엔 무조건 컴프 먼저 걸고 뒤에 EQ를 걸어서 톤을 정리해 줬는데, 이것도 정답이 없더라. 요즘엔 EQ를 먼저 걸고 컴프로 EQ로 부스트 한 대역을 강조해 주는 방식을 즐겨 쓰고 있어.

수연

이렇게 자주 바뀌시면 제가 선배님을 따라가는 게 더 힘들어질 것 같아요!

태준

그래서 내가 늘 음악을 많이 들으라고 강조하는 거야. 엔지니어는 유연하게 자기 스타일을 계속 만들어가야 하거든. 자, 마지막으로 리버브 이야기도 할게.

수연

리버브도 예전이랑 요즘 스타일이 바뀌셨나요?

태준

바로 그거야. 예전엔 무조건 큰 홀 리버브나 플레이트 리버브를 걸어서 스네어의 서스테인을 길게 늘이는 걸 좋아했어. 그래야 한다고 배우기도 했고. 특히 80년대 스타일의 게이티드 리버브 같은 거 익히려고 노력 많이 했지. 그런데 최근에는 짧고 밀도 높은 앰비언스 리버브가 너무 좋아. 플러그인 프리셋이 정말 나오는 거 있지? 공간감이 자연스럽게 살아나면서도 음악에 묻히지 않는 게 희한해. 게이트를 과하게 걸었다면 잃어버린 서스테인, 양감을 이러한 리버브로 보완할 수 있어. 물론 레트로한 느낌을 원하면 플레이트나 게이티드 리버브도 충분히 좋은 선택이야.

수연

하하 역시 선배의 결론은 늘 똑같네요. 오늘 벌써 '정답 없다'는 말 몇 번은 하셨어요.

태준

음. 내가 꼰대가 되아가나 보다.

수연

꼰대까진 아니고… (웃으며) 앞으로는 선배가 지금 정답이라 생각하는 것만 알려주세요. 나중에 바뀌면 그때 또 말해주시고요.

태준

그렇게 편리하게 배울 수 있는 거면 내가 이 자리에 있겠니?

자 다음은 하이햇이야.

(계속)

룸어쿠스틱, 방음시공 전문 :) 

펜타박스의 방음 룸어쿠스틱 강좌입니다

1. 내 뒤통수 뒤쪽 천정에 스카이라인 디퓨저 설치 (LEDE) 2. LIVE END 면적의 30%가 맥시멈 3. 딱 붙이지 않고, 서로 공간을 두고 분산 배치 4. 2.7m (9ft) 거리 확보

1. 출발점: 디지털 서밍은 완벽하다
현대 DAW의 부동소수점 연산은 사실상 무한 헤드룸, 무시할 수 있는 노이즈 플로어, 선형적인 왜곡 없는 동작을 제공한다.
A + B = C가 완벽하게 재현되고, 수학적으로도 문제가 없다.

2. 그렇다면 왜 아날로그 서밍이 논의될까?
아날로그 서밍이 "완벽하지 않기 때문에" 주관적으로 더 좋은 소리를 낸다는 주장들이 있다.

주요 가능성:
주파수 응답 변화: EQ처럼 작동한다면, 굳이 서밍이 아니라 스테레오 신호에 아날로그 처리를 걸어도 같은 효과를 낼 수 있다.
비선형 왜곡 (saturation): 트랜스포머나 컬러풀한 프리앰프가 왜곡을 만들어낼 수 있지만, 이 또한 서밍 전에 DAW에서 믹스하고 외장 아날로그 장비를 거쳐도 같은 효과를 얻을 수 있다.
채널별 독립적 왜곡 (intermodulation): 각 입력마다 개별 트랜스포머가 걸리면 채널 간 상호 변조가 발생하여 디지털과 다른 결과를 만들 수 있다.


3. 비교 실험: 무엇이 진짜 다른가?
프로토타입 아날로그 서밍 박스를 이용한 실험 진행 (트랜스포머 없는 클린한 설계).
테스트 톤과 실제 믹스를 통해 "아날로그 서밍 vs 디지털 서밍" 비교 수행.

결과:
초기 비교에선 차이가 느껴졌으나, 이는 게인 불일치 때문.

정확히 보정한 후 재실험 → 노이즈 플로어까지 널링 (nulling).
결론: 차이가 없다.
영상 10:09

4. 결론
아날로그 서밍이 소리의 차이를 만드는 게 아니라, "포화(saturation)" 같은 부가적인 변화가 차이를 만든다는 것을 재확인

바리깡... 아니 클리퍼(Clipper)는 오디오 신호의 피크를 자르거나 둥글게 다듬어 음량감을 높이고 색감을 더하는 대표적인 다이내믹 프로세서입니다. 음악에 펀치감과 응집력, 포화감을 극대화하는 것이 클리퍼의 주된 역할입니다.

클리퍼는 기술적으로는 머리를 밀어 버리는... 아니 단순히 일정 레벨 이상의 신호를 자르는 장치에 불과할지 모르지만, 음악에 새로운 색채와 질감, 펀치력을 불어넣는 창조적 도구입니다. 클리퍼는 리미터와 유사한 기능을 하면서도 독특한 사운드 캐릭터를 연출할 수 있어, 믹싱과 마스터링 작업에서 창의적인 도구로 활용되곤 합니다. 기타 치시는 분들이 애용하시는 디스토션, 오버드라이브 페달 같은 것도 클리퍼의 일종이기도 합니다.

클리퍼는 설정한 임계점(threshold) 이상의 레벨을 지닌 파형을 자르거나 둥글게 정리하는 방식으로 작동합니다. 하드 클리핑이 파형을 사각지게 잘라내 강한 디스토션을 유발하는 데 반해, 소프트 클리퍼는 클리핑 직전 구간에 소프트 니(soft knee)를 적용해 부드럽고 음악적인 포화 효과를 만들어냅니다. 그 적절한 활용은 가청 영역대의 왜곡은 억제하면서도 배음 영역대의 하모닉스는 적절히 강화해 음악에 풍성한 바디감을 더해주는 역할을 합니다. 나아가 트랜지언트는 또렷하게 살려 음악에 펀치감과 생동감을 불어넣어 주기도 합니다.

이를 통해 음원의 피크 레벨은 효과적으로 제어하면서도 따뜻하고 두툼한 질감의 사운드를 구현할 수 있습니다. 밴드 감압 시 생기는 펌핑 현상 없이도 음악에 힘과 응집력을 더할 수 있어 마스터링 엔지니어들에게 큰 사랑을 받고 있습니다.

각 제품마다 미묘하게 다른 색감과 질감을 얻을 수 있습니다. 믹싱 및 마스터링 엔지니어들은 음악 스타일과 목표 사운드에 걸맞은 클리퍼를 선택해 플레이버를 더하곤 합니다. TDR Limiter 6와 같은 리미터/맥시마이저에 기본 내장된 클리퍼부터 SIR Audio의 Standard Clipper와 같은 전용 플러그인에 이르기까지 다양한 옵션이 마련되어 있습니다.

클리퍼를 효과적으로 활용하기 위한 첫 걸음은 음악 스타일과 장르적 정서에 어울리는 세팅을 찾아내는 일입니다. 보편적으로는 0.3-0.5dB 내외의 가벼운 게인 리덕션이 무난한 선택이 되겠지만, 강렬한 펀치감이 요구되는 EDM이나 힙합 장르에서는 1-1.5dB 수준의 드라이한 클리핑도 시도해볼 만합니다. 반면 재즈나 클래식처럼 섬세한 다이내믹스 표현이 중시되는 영역이라면 클리핑은 절제의 미학이 요구되는 영역이기도 합니다.

때로는 믹스버스 컴프레서 다음에 클리퍼를 배치해 트랙 전반에 포화감과 응집력을 더하기도 하고, 리미터 앞단에서 트랜지언트 컨트롤 용도로 활용하기도 합니다. 하이 패스 필터를 곁들인 클리핑으로 하이엔드에 질감을 더하거나, 테이프 새츄레이션 효과를 위해 클리퍼와 리미터를 시리즈로 체이닝하는 등의 창의적 조합도 얼마든지 가능한 영역입니다. 음악 고유의 색채와 정서를 해치지 않는 선에서 적재적소에 클리핑을 가미하는 감각이 필요합니다.

클리핑 이펙트를 제대로 살리려면 입출력 레벨 관리에도 만전을 기해야 합니다. 우선 클리퍼 앞단의 레벨을 적정 수준으로 맞춰 과도한 디스토션을 방지하되, 너무 낮은 레벨 역시 피해야 합니다. 이상적으로는 클리핑 직전까지 신호가 올라오는 지점을 찾아 세팅하는 것이 포인트가 됩니다. 너무 급작스런 게인 리덕션은 음색의 밸런스는 물론 톤의 해상도까지 크게 훼손할 수 있으므로 주의해야 합니다.

클리핑 단계 이후의 레벨 보상, 즉 '메이크업 게인' 설정 또한 중요한 작업입니다. 보통 1-2dB 수준에서 클리핑 전후의 체감 음량을 매칭시켜 음압감 저하를 막아주는 역할을 합니다. 메이크업 게인을 너무 높게 잡으면 펌핑 현상이나 원치 않는 디스토션을 초래하기 쉬우니 주의가 필요합니다. 레벨 매칭의 미학은 결국 인위적인 음량감이 아닌 트랙 본연의 에너지와 펀치감을 되살리는 데 있다는 사실을 잊지 말아야 합니다.

클리퍼를 마스터링 체인에 배치하는 위치 역시 세심하게 고려해야 할 사안입니다. 대개의 경우 이퀄라이저 다음, 컴프레서나 리미터 이전 지점을 선호하는데, 이는 주파수 밸런스가 다듬어진 상태에서 다이내믹스 요소를 제어하기에 적합한 포지셔닝이라는 판단에서입니다. 하지만 음악의 성격에 따라, 그리고 엔지니어의 취향과 철학에 따라 그 수순은 마음대로 바뀔 수 있는 영역이기도 합니다.

클리퍼 이전에 컴프레서를 배치하면 보다 빽빽한 사운드 텍스처와 응집력을 기대할 수 있습니다. 반대로 리미터 다음에 클리핑을 가하면 보다 raw하고 어그레시브한 사운드 캐릭터를 연출할 수 있습니다. 심지어 이퀄라이저와 클리퍼를 오가며 시그널 체인을 반복하는 평행 프로세싱도 가능한데, 이렇게 하면 하모닉 포화감과 타이트한 트랜지언트 컨트롤이 절묘하게 어우러져 트랙에 극적인 에너지를 불어넣어 줍니다.

클리퍼의 고유한 매력을 인정하면서도 리미팅의 중요성을 간과해서는 안 될 것 같습니다. 사실상 loudness maximizing이라는 측면에서 클리퍼는 어디까지나 리미터의 보조 수단에 가깝기 때문입니다. 따라서 양자의 시너지 효과를 극대화할 수 있는 연계 활용 방안을 모색하는 것이 중요한 과제로 떠오르곤 합니다.

가장 흔히 쓰이는 방식은 클리퍼로 살짝 문턱치를 깎아낸 신호를 리미터로 받아 loudness war에 대응하는 정석적인 루트입니다. 물론 리미터만으로도 최신 true peak, look-ahead, intersample 기술 등을 총동원하면 클리퍼 못지않은 펀치력과 음압감을 구현할 수도 있습니다.

태준

자, 이제 본격적으로 믹스를 해볼까? 우선 킥 드럼부터 시작하자. 수연아, 믹싱을 할 때 "탑-다운 믹싱"과 "바텀-업 믹싱"이란 개념이 있는데, 혹시 들어본 적 있어?

수연

네! 바텀-업 믹싱은 개별 악기부터 다듬어서 하나하나 쌓아가는 방식이고, 탑-다운 믹싱은 전체적인 밸런스를 먼저 맞춘 다음에 세부적으로 들어가는 방식이죠?

태준

정답! 나는 일단 전체 볼륨 밸런스를 먼저 잡아놓고 개별 트랙을 다듬는 탑-다운 방식을 자주 써. 우선 K-14 미터로 맞추면서 레벨링을 조정해볼게.

수연

K-14 미터요? 그건 왜 그렇게 하는 거예요? K-20이랑은 어떤 차이가 있나요?

태준

-14dBFS를 제로에 두고 움직이는 미터라고 보면되는데, 다른말로 하면 헤드룸이 14dB인 VU미터 비슷한거야. 대중음악을 믹싱할 때 아주 유용하지. 지금 이해못해도 괜찮아. 직접 만지는걸 보면 알 수 있을거야. 전체 소스를 재생하면서 러프하게 밸런스를 잡아보자.

수연

음 이렇게 해도 괜찮은 건가요? 사실 잘 모르겠는데…

태준

혼란스러울 수도 있어. 일반적으로 믹싱을 가르칠 때, 킥부터 하나하나 개별 소리를 다듬으며 쌓아가는 '바텀-업' 방식을 알려주거든. '킥의 피크를 -10dB에 두어라'는 식으로. 나 역시 그런식으로 작업해왔고. 하지만 시간이 흐르고 이것저것 하다보니, '탑-다운' 방식도 장점이 많더라고. 무엇보다 한번에 소리를 완성하지 않고 한번에 한발짝씩 다듬어 가니 완성도가 높아지는 느낌이랄까?

수연

선배가 그렇게 말씀하시니 저도 한번 배워봐야겠어요!

태준

뭐, 탑-다운이라고 해서 거창한 건 아니고, 우선 전체적으로 볼륨만을 건드리면서 전체곡의 밸런스를 우선 잡아보는거야. 필요한 경우 버스 채널에 적당한 이큐를 써서 넓은 Q로 살짝씩 건드려 봐도 좋아.

 (트랙을 재생하며) …이 정도면 됐고, 이제 킥을 솔로로 들어보자.

수연

어? 킥만 들어야 할 것 같은데, 뭔가 다른 소리들도 같이 들려요.

태준

맞아. 드럼에 마이킹해서 받은 소스들은 블리드(bleed), 즉 다른 악기의 소리가 같이 녹음되는 경우가 많아. 드럼 소리가 워낙 크니까. 이 상태에서 EQ나 컴프를 걸면 우리가 원하지 않는 주파수까지 조정될 수 있어. 이럴 때 필요한 게 뭐겠어?

수연

게이트… 맞죠?

태준

정답. 게이트를 걸어서 우리가 원하는 킥 소리만 남겨볼게. (게이트를 설정하며) 보통 릴리즈는 곡의 템포에 따라 다르지만, 이 곡처럼 전형적인 밴드 음악에선 킥이 딱 끊어지는 게 중요하니까 릴리스를 과감하게 짧게 줄여볼게. 들어봐.

수연

와, 확실히 불필요한 소리들이 많이 없어졌네요. 소리가 또렷해졌어요! 근데 선배, 릴리스를 짧게 하면 킥이 너무 딱딱하게 끊어지는 거 아닌가요? 자연스럽게 이어지는 게 아니라 좀 뚝뚝 끊기는 느낌이 들 수도 있을 것 같은데…?

태준

좋은 질문이야. 그치만 우리에겐 오버헤드와 룸이 있잖아. 일부러 킥의 릴리즈를 남기고, 컴프로 어택을 강조하며 볼륨을 올리고 나서, 남은 서스테인을 오버헤드와 룸으로 채워주는거야. 그러면 두 소리가 레이어가 되면서, 어택이 강조되는 거지. 이따 오버헤드 트랙의 볼륨을 올려보면 알 수 있을거야.

수연

네 알겠어요. 이제 컴프를 걸어야 하는 걸까요?

태준

맞아. 특히 드럼 트랙에서는 뒤에 버스 컴프가 걸릴 예정이니까 개별 트랙에선 과하게 걸지 않는 게 좋아. 자연스럽고 적당한 수준으로 펀치감을 끌어올려보자. 여기선 어택을 30ms 정도로 두고, 레시오는 2.5:1로 잡아서 살짝만 눌러볼게. 들어봐.

수연

음… 컴프레서는 소리를 누르는 이펙터인데, 왠지 어택감이 좀 더 살아난 것 같은데요?

태준

그렇지? 컴프의 어택을 길게 두면 첫부분이 살아남고, 나중에 소리가 눌리니까 어택이 강조되는 거야. 자, 이제 EQ를 걸어보자. 킥에서 중요한 대역은 어디일까?

수연

킥에서 가장 중요한 대역은 60~80Hz 아닌가요? 가슴을 울리는 저음이 필요하잖아요.

태준

그래. 그리고 또 중요한 게 있어. 바로 비터(beater) 소리. 킥 페달이 헤드를 치는 부분에서 나오는 소리인데, 이걸 강조하면 킥이 더 존재감이 생기지. 보통 2~4kHz를 부스트하면 좋아. 들어볼래?

수연

아, 이거구나! 근데 너무 과하면 좀 날카로울 것 같은데요?

태준

그럴 땐 적당히 조절하면 돼. 그리고 120~150Hz 정도를 부스트해볼까? 어떤 느낌이 드는지 말해봐.

수연

음… 뭔가 통통 튀는 소리가 들려요. 조금 둔탁한 느낌도 있고…

태준

맞아. 이 대역을 너무 강조하면 킥이 둔탁하고 붕붕거리는 느낌이 나. 킥을 단단하게 만들려면 이런 부분을 다스려주는게 중요하지. 물론 곡에 따라서 달라. 레게 같은 장르를 할 때는 오히려 붕붕거림이 필요할 때도 있으니까. 그치만 이번에는 이쪽 대역을 살짝 컷해보자. (120~150Hz 컷)

수연

확실히 킥이 더 타이트해졌어요!

태준

이제 마지막으로 EQ와 컴프 순서를 바꿔볼게. EQ를 컴프 앞에 두면 어떤 변화가 있는지 들어봐.

수연

오, 부스트한 부분이 더 강조되네요!

태준

그렇지? 컴프가 부스트된 주파수 대역을 먼저 눌러주니까 더 명확해지는 거야. 자, 이제 오버헤드를 적당한 비율로 섞어서 킥과 자연스럽게 조화시켜보자. 킥이 너무 단독으로 떠 보이지 않게 말이야.

수연

와, 사실 게이트 때문에 킥이 뚝뚝 끊어져서 좀 이상했는데, 오버헤드랑 같이 섞이니까 훨씬 자연스러워졌어요. 진짜 곡 안에 녹아드는 느낌이에요.

태준

오버헤드 트랙이 얼마나 중요한지 알겠지? 킥만 솔로로 듣고 믹스하면 안 돼. 드럼은 특히 전체적으로 듣고 조화롭게 다듬어야 해.

수연

네 알겠습니다 선배.

태준

이해가 빠르네. 자, 이제 스네어로 넘어가볼까?

(계속)